ソロ・ソナタは17世紀初頭に発展したが、シルヴェストロ・ガナッシの『ラ・フォンテガラ』（1535年）やディエゴ・オルティスの『クラウスラスに関する用語集』（1553年）といった作品は、すでにより長い歴史を示唆していた。[2][3] しかし、小規模なアンサンブル作品の重要なレパートリーは、世紀の変わり目まで登場しなかった。初期の例としては、1610年のチーマの『教会協奏曲』に収録された器楽作品が挙げられる。[2] 教会における楽器の使用には厳格な規則があったにもかかわらず、チーマのような作曲家は、ポリフォニックなパッセージと素早い連奏を組み合わせた複雑な構造のソナタを創作した。[2] 1620年代は小規模なアンサンブルのためのソナタが特徴的だった。[5] ダリオ・カステッロによる1621年と1629年の作品集などは、斬新な特徴を示した。[2]カステッロが「奇抜で現代的な発明」と評したのに対し、マリーニは自身の作品を「現代風の協奏ソナタ」と表現した[2]。これらの作曲家は新たな運動の先駆者であった[2]。これらの作品の技術的複雑さの増大は、ソロ・ソナタの更なる発展の基盤となった[3]。1620年代の全盛期を過ぎた後、小編成のアンサンブルのためのソナタは1630年以降、経済的な困難のために重要性を失っていった。しかし、1630年代にマルコ・ウッチェリーニが登場すると、状況は再び改善した[2]。発展は当初北イタリアに集中していたが、徐々に広まっていった[5]。アレッサンドロ・ストラデッラはローマで音楽的才能を開花させたが、そこでは音楽家が作品を出版することはほとんどなかった[1]。作品の地域差は様式の多様性を示しているが、音楽という媒体においては一定の統一性も維持された。ソロ・ソナタとデュオ・ソナタの区別は17世紀を通じて維持された[1][3]。北欧では、統一されたイタリア音楽という概念が一般的でしたが、チーマ、カステッロ、ストラデッラの作品には、実際には大きな違いが見られます。[2] 当時の印刷版と技術的制約は、ヴァイオリンソナタの演奏に大きな影響を与えました[4]。ヴァイオリンの名手による作品は、しばしば手書きの楽譜として流通し、それが作品の消失につながった一方で、最終的には記譜法の技術革新を促しました[3][4]。
