16世紀、ヴァイオリンは主にアンサンブル楽器として機能し、ヴァイオリン属の中でソプラノパートを担い、主に舞踏音楽で用いられました。ソロ・レパートリーの発展は、ヴァイオリンが混成楽器アンサンブルに組み入れられた1600年以降に始まりました。この変化により、ヴァイオリンはさらに格式の高い音楽舞台、例えばオルガンホールや、ヨーロッパの王侯宮廷における名手アンサンブルで演奏されるようになりました。イタリアの新しいソロ・レパートリーは、主にソナタで構成され、16世紀の伝統的な形式から脱却しました。一方、ドイツのヴァイオリン作曲家は舞踏音楽への忠実さを保ち、ソナタにバッソ・オスティナートを頻繁に取り入れました。17世紀末まで、ドイツの作曲家は作品において、単純で反復的なコード進行を好んで用いました。
イタリアとドイツのヴァイオリン音楽の顕著な違いは、技術的な技巧への要求にも表れています。イタリアの作曲家は17世紀初頭に和音やハイポジションを試みましたが、次第に純粋な音楽表現へと焦点を移していきました。一方、ドイツ語圏の作曲家は、1700年頃にダブルストップやトリプルストップを用いることで、技巧への要求を著しく高めました。スコルダトゥーラなどの技法も、和音演奏を容易にし、特定の調性において独特の音色を作り出すために用いられました。しかし、スコルダトゥーラは、異なる調性間で転調するようになった1700年頃、ドイツの作曲家の間で人気が衰えました。
ヨハン・パウル・フォン・ヴェストホフが1697年に作曲した組曲は、ドイツの伝統を受け継ぐ作品であり、初期の無伴奏ヴァイオリン作品集として特に重要です。これらの作品は、バッハの無伴奏ヴァイオリン作品のインスピレーションとなったと考えられていますが、その構成と和声はバッハのパルティータほど複雑ではありません。ヴェストホフは主に連続和音で作曲し、複雑なイタリア風和音を避けました。これはドイツの作曲家が18世紀まで採用しなかったものです。ハインリヒ・ビーバーが1675年頃にザルツブルクで作曲した無伴奏パッサカリア ト短調は、彼の革新的なスコルダトゥーラの使用と、ソナタにおける聖書的主題の芸術的解釈を印象的に示しています。ナポリ出身のヴァイオリニスト兼作曲家であるニコラ・マッタイスは、その卓越したテクニックと生き生きとした演奏で、1670年頃からイギリスで注目を集めました。「ヴァイオリンのためのエアーズ」に出版された彼の作品は、多様な演奏の可能性を提供し、抽象的な形式と舞踏的な形式を組み合わせる才能を明らかにしました。